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Hablando de hombres tenebrosos en la música, una banda que al verla puede generar escalofríos es el grupo sueco Ghost. El vocalista, quien se hace llamar Papa Emeritus II (para el 2do disco Infestissuman), tiene la apariencia de un líder de alguna secta satánica. Con un semblante calavérico y usando una mitra con una cruz cristiana invertida, parece algún profeta que viene a anunciar la llegada del anticristo. La identidad tanto de él, como de sus músicos quienes se hacen llamar "Nameless Ghouls", se desconoce, al fiel estilo de The Residents.
Dejando la imagen de la banda a un lado y concentrándonos en su música, el doom metal que hacen tiene algo de progresivo, pero con unos riff y voces que por momentos se vuelven un poco grunge (Imagínatelos con jeans, camisa de leñador y escuchen Jigolo Har Megiddo). Sus letras son oscuras, sobre demonios, culto satánico y la muerte.
Esta canción Secular Haze, de su segundo disco, trata sobre la sensación de morir ahogado. Según relatan, sería como una sensación fría y desesperante hasta el momento de la aceptación de la muerte inminente. Es ahí cuando el dolor se vuelve tibio y la sensación de sucumbir es casi orgásmica. Al comienzo se escuchan un órgano con un lick como de carnaval (reminiscencia de Being for the benefit of Mr. kite).
Cuando escucho la canción en Spotify, este me advierte que la letra tiene contenido explícito. No tengo idea a lo que se refieren porque la letra es hermosa.
Miles Davis fue un revolucionario del Jazz. Su aclamado disco Bitches Brew es un punto de quiebre no solo en la historia de este género, sino en el de la música en general. No hubo precedentes para este disco que reinventó al Jazz-Rock y dio pie a que varios grupos excelsos de Jazz fusión aparezcan en esa época. Motivados y hambrientos por este nuevo estilo, músicos ejemplares como Herbie Hancock, George Benson y Weather Report replicarían el genero dentro de sus propios estilos con discos que ahora son de culto en la historia del Jazz.
Pero algo interesante que el Bitches Brew ha logrado a lo largo de tiempo no solo fue dejar huella en las bandas de su época. Sino que varios grupos contemporáneas hacen referencia explícita a la influencia directa que tuvo este elepé de Miles Davis, no solo en sus canciones sino en discos completos. Así, bandas como Radiohead, Flying Lotus, St. Vicent, The Mars Volta, entre otras han confesado haberse sentirse rendidos bajo la magia del Bitches Brew, provocandoles hacer música inspirados y motivados por el disco.
El Ok Computer de Radiohead fue inspirado en el Bitches Brew de acuerdo a varias entrevistas a banda. En Subterranean Homesick Alien se escucha ese mar de sonidos propio del disco de Miles Davis.
Yendo ahora al Elepé, fue un disco doble lanzado por Columbia en 1970 y producido por Teo Macero. Tal como cuenta el productor, fue un disco muy difícil de producir sobre todo por el trabajo que demandó la post-producción. Después de unas sesiones de grabación arduas en las que se trabajó con 2 bateristas y en algunas canciones hasta con 3 tecladistas, Miles Davis tenia unas ideas que implicaban el uso de algunos efectos sobre el material grabado. Además, en muchos de los casos se usaron efectos de loops y delay con cinta, así como la mezcla de diferentes partes de grabación en una sola.
La primera parte del disco contiene las dos canciones mas largas. Posiblemente sea la sección mas difícil de escuchar pero a su vez la mas alucinante. Algunos teóricos coinciden en que ambas canciones tienen la estructura de una sonata propia de la música del siglo 18 y 19. En esta clase de composición, se distinguen los siguientes elementos: una introducción con dos temas o motifs, una sección intermedia que es el desarrollo de los solos, la recapitulación donde se repiten los dos temas de la introducción, y el coda final. Pharaoh's Dance, el primer tema, es oscuro. Su galope rítmico constante te hace sentir que estas en todo momento como en una persecusion dentro un cerebro paranoico. No hay sonido que no te de tregua, los solos son fugaces pero en todos, los cerca de diez músicos hacen su un trabajo ejemplar.
St. Germain y la influencia en la inclusión de lo electrónico en el Jazz, una pizca de lo que fue otrora la idea del Bitches Brew.
El siguiente track es el que le da el nombre al disco. Bitches brew, es el tema mas largo con poco más de 26 minutos de duración. El intro que parece tener la misión de generar mas suspenso, es complementados por esos repiques marca registrada de Miles Davis para cumplir su cometido. Seguido del intro viene la sección mas groovy de esta primera parte, con un bajo marcando una línea bastante hard-rock y como si a los bateristas Lenny White y Jack DeJohnette pareciera que Mitch Michel se les apoderará de su cuerpo por unos instantes.
La segunda parte del disco es un poco mas descifrable. Su encanto esta en la atmósfera surreal incontrastable del disco. Spanish Key tiene una estructura mas acorde a los standar de jazz, con su forma tema-impro-tema. Hay algo de la influencia de la música flamenca en los modos,los cambios de armonía y melodías de la canción que Miles diseñó explícitamente. Las melodías que genera Miles con sus notas y sus silencios son fantásticas. Sus silencios aunque suene paradójico, son tan o más importantes que los sonidos en el estilo que él definió.
John McLaughlin es el único track donde no se escucha la trompeta de Miles en ningún momento. Fue un tema formado por Miles y Macero en la post-producción a partir de todo el material que poseía de las sesiones de grabación. Miles solía dar instrucciones bastante generales a los músicos y en este caso lo único que indicó fue que John empezaría el solo de guitarra y luego todos ingresan al groove al mismo tiempo. De ahí salio este tema.
Algo más contemporáneo aún. Flying Lotus y Kendrick Lamar en esta colaboración vive el sonido del Miles Davis.
Miles Runs the Vodoo Down, el nombre en referencia al Vodoo Chile de Jimi Hendrix, es si duda mi favorita. El groove conseguido por el bajo de Dave Holland es preciso y tiene algo de exótico que me recuerda a nuestro Landó o Tondero. Los solos son estupendos, empezando por el de Miles, que quizá sea el más espectacular del disco. Luego viene John McLaughlin con unos licks de guitarra asimétricos, y un Wayne Shorter con su impecable saxofón soprano. Mención aparte, Chick Corea y su solo en el piano eléctrico: distíngalo porque es el piano paneado a lado derecho del estéreo. Los dos últimos temas, Sanctuary y Feio fueron compuestos por Wayne Shorter. Aunque ya antes habían sido tocadas en vivo con otro estilo, aquí adquieren otra definición para encajar en el concepto del disco.
Es así como Miles Davis consiguió ser eterno. Su música incrustada en generaciones de músicos a los cuales no deja ni dejará de sorprender el Bitches Brew, el cual ya esta pronto a cumplir los 50 años.
PD: Recomiendo entrar a este link interactivo para cuantizar un poco la influencia de Miles Davis en la música y el arte en general.
El nombre "Alice in Chains" me suena sombrío. Al pronunciarlo, mi mente recrea lo que puede ser una escena un tanto oscura, un fondo tenebroso donde no llega la luz con Alice protagónica luchando por salir desesperada.
Si pienso en alguien que este a gusto en las tinieblas, pues sería Ozzy Osbourne. Quizá es en esos espacios donde Ozzy tomaría referentes para así crear heavy metalallá por los años 70s con Black Sabbath. Para los 80s Ozzy comienza una carrera en solitario tras ser expulsado del grupo, y es allí donde radica la canción para este Vaivén.
De su primer álbum, "Mr. Crowley" es un himno del metal. La canción, inspirada en el ocultista Aleister Crowley, es el resultado de sonidos como de un ingreso misterioso, bajo las sombras, densos y por último fulminantes. Con dos geniales solos de guitarra, el segundo mejor que el primero, ejecutados por Randy Rhoads,
El viejo Ozzy no parece viejo. Sigue creando música con su regreso a las tiendas de discos con Black Sabbath y su último trabajo "13", que lo llevó a liderar las listas, así como dando conciertos. Hoy está de cumpleaños, y es justo dedicarle algunos tracksen las siguientes horas.
"Box Car Racer" (2002) fue uno de los primeros discos que adquirí en la secundaria. No tuve otro motivo para comprarlo que el hecho que el fundador de la banda del mismo nombre fuese Tom DeLonge, guitarra y voz principal –en ese entonces–del trío Blink-182, cuyas canciones escuchaba a diario a la salida del colegio.
Mi emoción y expectativa por este nuevo material no sirvió de nada: la primera vez que lo escuché, me quedé dormido a la mitad del disco. No era la seguidilla de ritmos vertiginosos y letras románticas que solía escuchar con Blink-182.
Harto, limitado, frustrado. Luego de una década de vender miles de discos, Tom estaba siendo carcomido por la falta de libertad creativa que había consumido a Blink-182. Box Car Racer fue su grito de independencia, y se hizo escuchar con "I Feel So", una canción con una letra llena de impotencia y rabia, pero también común esbozo de esperanza. Los variados matices de este primer single no son más que un reflejo del inestable estado emocional de DeLonge, algo que ya no podía –ni quería– contener.
"There Is" fue el segundo tema promocional del disco. Para los fanáticos más conservadores de Blink-182, este fue un punto de no retorno: un adiós a la sátira y sueños adolescentes, y una bienvenida acústica y brutal a la melancolía.
Las canciones de Box Car Racer no solo rompieron con la ilusión de los primeros amores, sino con la fe en la vida misma. Es la incertidumbre la que ahora reina, pero como lo demostró Tom, esta sensación de inseguridad y vacilación es la que te permite recorrer otros caminos, o aventurarte en mirar con otra perspectiva lo mismo, si se prefiere.
Temas como “Letters to God” y “The End with You” son otras muestras del giro que le dio DeLonge a su propia intimidad, de la mano de unos acordes repletos de dudas y una enérgica batería gracias al genial Travis Barker. Miedo puro, perplejidad, indecisión y un impactante sentido de supervivencia es lo que en verdad se logra transmitir con este material, que finalmente repercutió en las siguientes proyectos personales de Tom y sus ahora excompañeros de Blink-182.
Muchos temas quedan pendientes: el disco homónimo que sacó Blink-182 al año siguiente; la creación de +44, liderada por el bajista del trío californiano, Mark Hoppus; la supuesta continuación de Box Car Racer con Angels and Airwaves y otros asuntos más. Evolución y adaptación. Pero eso requiere otro post.
Los vocalistas principales de Alice in Chains y Joy Division, tuvieron un final trágico. Ambos consumidos por la depresión y las drogas, se suicidaron a temprana edad. El primero, Layne Staley se inyectó una dosis fortísima de heroína mezclada con otras drogas la cual su cuerpo no soportó. Ian Curtis, un poco mas poético, terminó suicidándose colgado en su cocina, tras consumir varias botellas de alcohol y algunos fármacos.
Esta situación en la que repentinamente muere el vocalista principal, se repite en varias bandas de rock a lo largo de la historia. Por dar algunos ejemplo más conocidos: Nirvana, Queen, The Doors y Legião Urbana. Pero son pocas las bandas que logran superar ese trágico momento y siguen componiendo y manteniendo la vigencia de su música. Joy Division, se convertiría en New Order, hasta hoy una banda vigente; Alice in Chains, por su parte, ha sacado dos discos con su nuevo vocalista William DuVall.
En este tema de Alice in Chains Stone, escucho tanto ese sonido noventero de sus primeros discos, que si no supiera a priori que es de su último disco, no hubiera distinguido que era de este milenio. Que me perdonen los mas fans de Alice in Chains y de Staley, pero la voz de DuVall es impecable. Aporta realmente al sonido de la banda manteniendo su escencia, pero también con su estilo personal que no tiene nada que envidiar a Staley.
Espacio para compartir idas y venidas de la música en el tiempo. Encontrando entre lo clásico y lo contemporáneo un punto de relación, sin caer en la comparación. Porque la música puede ser buena más allá de la época en que fue creada.
